Eduardo Basualdo: „Das Mysterium sind wir“

Die monumentale und doch intime Dimension von Eduardo Basualdos Werk bietet in In Medias Res , der Ausstellung in der Hauptgalerie von Ruth Benzacar , neue Einblicke in seine poetische Qualität. Wenn die schrägen Wände in Pupila , der vorherigen großen Ausstellung des argentinischen Künstlers im Museo Moderno , eine gewisse Beklemmung hervorriefen, kann uns das Betreten der schwach beleuchteten Höhle der Galerie Villa Crespo buchstäblich an einen anderen Ort versetzen. Ein primitiver und komfortabler Raum.

Die ikonischen Totenköpfe haben in mehr als einer Hinsicht Eingang ins Repertoire gefunden: Eine davon ist, an seine Kindheit in Mexiko zu erinnern , wo er mit seinen Eltern im Exil lebte. Basualdo, ein international bekannter Künstler – er stellte unter anderem im Palais de Tokyo aus, nahm an der Biennale von Venedig und anderen in Korea, Havanna, Porto Alegre und Berlin teil –, der Bilder voller Subjektivität erforscht, um sie in Visuals zu verwandeln, fühlt sich dazu hingezogen, Aspekte seiner eigenen Biografie in seine Arbeit einfließen zu lassen. „ Die Ausstellung hat etwas Magisches an sich , diese Kindheit in einem magischen Land in einem demontierten Moment; sie hat Struktur, Realismus und gleichzeitig etwas Entkommenes“, sagte Basualdo am Ende des Gesprächs, das so begonnen hatte.

– In Ihrer Arbeit sprechen Sie davon, Konzepte in Bilder zu übersetzen. Wer sind die Personen, die an In Medias Res beteiligt sind?

Die herrschenden Konzepte drehen sich um die Distanz zum eigenen Körper, der ein Mysterium darstellt und uns zugleich in ihm gefangen hält. Im Gegensatz zu diesem Science-Fiction-Ansatz, der das Mysterium tief im Universum, in der Ferne und Entferntesten verortet, gibt es eine andere Interpretation von Fiktion und Imagination: Das Mysterium sind wir, es ist bereits da, das Unbekannte liegt im Herzschlag. Dieses leere Mysterium wird mit Hypothesen und unüberprüfbaren Überzeugungen gefüllt, anstatt davon auszugehen, dass die Hälfte von uns aus diesem Mysterium besteht.

Welche Auswirkungen hat es, diese Perspektive einzunehmen, anstatt zu versuchen, den Mars zu erreichen?

Es ist die Tradition, die meine Arbeit prägt. Doch all dieser Fanatismus, der sich auf die interplanetare Erforschung konzentriert, wie die Mars-Diskussion der letzten Jahre, lenkt nur von der unmittelbaren Frage ab, die Ozeane nicht zu verschmutzen. Man denkt über einen neuen Lebensraum für die Menschheit nach, wenn dieser Planet nicht zerstört ist. Er ist höchstens beschädigt. Das sind ablenkende Ansätze , die uns nicht spontan einfallen. Denn der Mars ist kein alltägliches Thema, sondern ein Thema in den Nachrichten. Er ist nicht unschuldig.

Wie werden diese Ideen in Ihren Werken zum Leben erweckt? Ich denke dabei an das große Gemälde vom Mond und der Erde oder an die Zeichnungen, die das Innere des Körpers zeigen .

Es gab eine Hypothese für einen Titel für dieses Bild der Entfernung zwischen Erde und Mond: „Unmögliche Liebe“, wie eine Projektion der Sehnsucht, die immer in derselben Entfernung bleibt, unerreichbar, aber in Sichtweite. Mit diesem Bild entdeckte ich diese Entfernung, die wir aufgrund einer Schuldeformation mit der Nähe des Mondes assoziieren. Aber das liegt daran, dass wir an Tischen dieser Größe arbeiten, obwohl sie in dieser Entfernung winzig sein sollten. Diese Deformation und die Arbeit offenbaren, dass man einen Schleier lüften muss, um zu sehen . Und in Bezug auf das Skelett komme ich zu diesen Arbeiten, indem ich über einen Blick nachdenke. Es ist wichtig, welchen Blick jede Ausstellung vorschlägt. In „Pupila“ gab es einen introjizierten Blick in das Innere des Schädels und in die Erinnerung; und jetzt gibt es einen viel weiteren Blick, es ist ein Röntgenblick . Was kann man mit diesem Filter sehen? Aus welchem Material bestehen wir, wie in den Knochen?

Es fällt uns sehr schwer zu akzeptieren, dass der Schädel da ist. Aus praktischer Notwendigkeit begann ich, Knochen zu studieren, und jetzt ist es für mich unmöglich, sie nicht zu spüren, wenn ich meinen Arm berühre. Wir haben sie endlos in der Kunstgeschichte gesehen, wir sehen sie ikonisch in der westlichen Tradition, und sie sind hier. Es ist auch ein Mysterium.

– Aus Ihrer vorherigen Ausstellung stammen die Zeichnungen und dieses seltsame Material, das Sie zum Sprechen verwendet haben. Wie ist diese Kontinuität?

Graciela Speranza erzählte mir, dass sie meine Arbeit ihren Studenten mit den Worten vorstellte: „Dieser Künstler hat dieses Material erfunden.“ In der Kunst ist das viel. Und es gibt mir weiterhin viel, wie landschaftliche Dimensionen, mineralische Dimensionen. Die Möglichkeit, über ein Stück Land in einem Maßstab zu sprechen, der viel größer ist als der des Körpers selbst, fast größer als der Raum selbst, weil klar ist, dass es so weitergehen kann. Ein Stück von unendlichem, unermesslichem Maßstab an einen messbaren Ort zu bringen, wie eine Ausstellungshalle.

Diese Metapher interessiert mich, weil sie unserem Verstand sehr ähnlich ist, der ein Raum von unermesslichen Ausmaßen ist, der auf einen bestimmten Ort beschränkt ist, und dieser ist dieser (er zeigt auf seinen Kopf). Das Neue daran ist, dass ich die Rückseite dieses Materials mit zwei qualitativ unterschiedlichen Seiten zeige, die unterschiedliche Empfindungen hervorrufen und unterschiedliche Atmosphären erzeugen. Und in Bezug auf die Zeichnung besteht die Kontinuität mit der mattschwarzen Pastellkreide. Was sich geändert hat, ist der Maßstab. Obwohl es fiktive Elemente gibt, hat es mit Realismus, Röntgenstrahlen und dem Blick in den Spiegel zu tun.

-Andererseits werden andere Materialien hinzugefügt, wie beispielsweise farbiges Wachs, mit dem menschliche Silhouetten hergestellt werden, die im Raum schweben.

- Es handelt sich um gewachste Stoffe, die in der Ausstellung den Platz einer Hülle einnehmen, des Ablegens der Hülle, des Verlusts des ersten Kleidungsstücks, der menschlichen Haut, zerrissener, aber auch warmer Haut. Sie erinnern mich an die Ona-Zelte als Orte des Schutzes, kleine Zufluchtsorte angesichts der Feindseligkeit.

-Ich dachte über die Idee einer Zuflucht in der Höhle nach, einem Ort der Intimität angesichts der extremen Hilflosigkeit, die durch die enorme Entfernung entsteht.

Für mich schon. Es gibt eine Geste, mit der sich alle menschlichen Kreationen auf Dinge beziehen, die wir bereits in unserem Körper haben, wie die Klammer oder der Hammer. Und eines der Werkzeuge, die mich in der Kunst interessieren, ist die Fähigkeit, einen mit hoher Geschwindigkeit an einen anderen Ort zu bringen. Ein drastischer Situationswechsel. Es ist eine Geste, die nachahmt, was wir nur mit unserem Verstand tun können: die Augen schließen und an einen anderen Ort denken.

-Es handelt sich um eine künstlerische, aber menschliche Operation, die über die Bedrohung durch die Technologie hinausgeht.

Ich habe einen Journalisten sagen hören, er sei von Messi fasziniert, weil er ein Mensch sei, der so spielen könne. Man könne einen Roboter bauen, der so spiele, aber die Herausforderung bestehe darin, dass ein Mensch es könne, jemand wie du, aus deiner Nachbarschaft, der deine Geschichte erlebt habe. Das bewegt uns. Da gibt es keinen Wettbewerb, denn wir sprechen nicht über Absolutes, sondern über Subjektives.

Wenn das Produkt gleichwertig oder besser wäre, wenn man KI wirklich nutzen könnte, um sich auf unsere Stimmung einzustellen und etwas Besseres zu leisten, wäre ich enttäuscht. Denn es ist ein Spiel zwischen uns, nicht darum, wie viele Tore pro Sekunde geschossen werden können. Lasst die Maschinen konkurrieren . Es wird eine Biennale für künstliche Intelligenz geben, aber auch eine für Menschen. Wir sprechen von Spielen, denn man könnte auch einen Roboter küssen. Man kann einen Roboter heiraten, aber die Magie liegt darin, einen Menschen zu finden.